Au fil des jours (journal de Jacquie de Greffié de Bellecombe 4)

Phares...
Seuls, ils émergent de l'écume et des nuages
comment relient-ils hauteur et profondeur
et durent-ils dans l'adversité ?

 

L'art et la grande guerre

Cette vidéo a été réalisée en 1982, lors des deux années passées à l’École supérieure de guerre. En voici une version révisée et améliorée par Antoine Vignes.

https://www.youtube.com/watch?v=vAU5YWRLmsE

 

Exposition à Sainte Suzanne les 13, 14 et 15 août

Et l'eau galope

Elle dévale les plans

L'image reste

Exposition à Sainte Suzanne les 1", 14 et 15 août

 

 

 

 

 

un moulin ouvert

le noir des gouffres dans les yeux

le silence des poètes

Vernissage du 10 juin : discours de présentation

Discours de présentation lors du vernissage du 10 juin 2021 à la société des poètes français :

 

                                                         « Aller au-delà du visible et accéder à l’invisible. » L.F

 

Chères amies et chers amis bonjour et bienvenue à tous

Tout en demeurant dans la mesure et la prudence, c’est une joie immense que de vous retrouver après cette trop longue zone d’ombre, dans l’espérance d’une lumière nouvelle et d’un essor transcendé.

Réel plaisir de partager à nouveau cette renaissance progressive de nos activités culturelles.

Ce lever de rideau est réservé à Loup Francart, un artiste aux multiples talents qui n’est pas sans déclencher un certain étonnement. D’ailleurs lorsque j’évoque Loup Francart, je ne suis pas sans songer à l’esprit des artistes de la Renaissance et des Lumières qui conjuguaient et maitrisaient couramment diverses disciplines, peinture, musique, sculpture, mathématique, astronomie, etc.

Léonard de Vinci et Michel Ange entre autres en sont de remarquables exemples.

Loup Francart beaucoup plus modestement et à sa façon, demeure dans cette mouvance multidisciplinaire. Il entretient cet environnement par un esprit curieux et toujours en éveil.

Loup Francart a lui aussi différentes cordes à son arc, je préfère dire à sa lyre, l’arc symbolisant toujours l’image de la chasse ou de la guerre. Rassemblons-nous alors autour des muses de notre artiste, peinture, poésie, musique et littéraire aussi au titre d’essayiste. Thématique sensible sur laquelle notre ami théoricien vous donnera des indications ou pas !

L’art fut toujours dans la vie de Loup Francart porteur et révélateur. Au seuil de la vingtaine et au-delà d’études déjà bien avancées, il éprouva le besoin de découvrir l’art pictural plus en profondeur et ce sera devant une œuvre cubiste de Georges Braque « Le guitariste », enfin une des versions, qu’il reçut une sorte de « choc pictural » . Signe annonciateur sans doute, car à bien y réfléchir le cubisme ne contient-il pas les prémices de l’art optique par la déstructuration de l’image, le jeu des mouvements et des perspectives en aplats.

Mais attendons un peu l’art abstrait sera pour plus tard, car Loup Francart passa déjà par la case figurative ce qui dans la logique est préférable pour l’évolution progressive des compositions.

Ainsi il peignit durant une longue période des paysages qui subiront de plus en plus les effets de l’abstraction.

Cette expérience figurative et peu à peu abstraite le conduira vers l’art optique, puis cinétique et puis viendront les nouvelles technologies numériques.

Loup Francart est un artiste minutieux qui travaille avec précision, qui calcule les effets produits par les formes, les volumes et les couleurs. Ce sont nous dit-il « … par des petits bouts de rien qu’on parvient à composer une œuvre débordante de levain, de vie et d’amour. »

Loup Francart ressent ce besoin d’aller au-delà du miroir des illusions, il lui faut découvrir un autre monde parallèle, regarder les choses en prenant un peu plus de hauteur. L’art selon lui est un surplus d’être. 

Et si l’art n’était qu’une illusion qui dévoile l’unité derrière la diversité.

Par la création Loup Francart tente d’aller du visible à l’invisible.

Fasciné par les mathématiques, c’est tout naturellement, comme par instinct que Loup Francart se dirigea vers l’art optique, cinétique et numérique, dont les initiateurs bien avant l’heure dans les années 1910-1920 furent les futuristes italiens. Mouvement repris et développé par Victor Vasarely et dans son sillage, Yvaral.

Afin de mieux la percevoir, il faudrait décrypter dans l’œuvre de Loup Francart quelques formules mathématiques pour avoir une perception moins fragmentée, plus globale de l’unité des choses ou du monde, dépendant des mêmes liens.

Par l’acte créateur, Loup Francart tente d’aller du visible à l’invisible. Il se trouve ainsi confronté à l’espace d’un champ d’expression ouvert sur l’infini, c’est aussi une manière de nous dire qu’au-delà de notre formatage ordinaire, il y a derrière ce que nous considérons comme réel, tout un champ des possibles tout aussi réel, mais qui n’est pas nécessairement perceptible au premier regard.

L’art optique c’est avant tout développer et créer des formes et des volumes géométriques multiples et accéder progressivement à l’invisible. C’est suggérer des formes qui trompent l’œil et n’existent pas et qui donnent pourtant une impression de réalité.

L’art, c’est aussi son double indissociable, son alter ego, la poésie où Loup Francart excelle dans un langage et une réflexion très personnels et nous allons saisir l’occasion et avoir le plaisir de vous en offrir quelques spécimens à trois voix.

 

Michel Bénard.

Lauréat de l’Académie française.

Chevalier dans l’Ordre Art et Lettres.

 

 

     

    

Le vernissage

• Discours d'introduction de Monsieur Jean-Charles Dorge, président de la Société des poètes français ;
• Présentation de Michel Bénard (voir discours), responsable des expositions, chevalier des Arts et Lettres,
• mot du peintre.

Venez voir l'exposition au 16 rue Monsieur Le Prince 75006 Paris

Galerie ouverte de 14h à 18h du lundi 8 au jeudi 11 juin

Je vous accueillerai !

Exposition de Loup Francart à la Société des Poètes français du 10 au 17 juin 2021

Oui, c'est aujourd'hui :

Alors, à tout à l'heure !

Exposition de Loup Francart à la Société des Poètes français du 10 au 17 juin 2021

La société des poètes français

vous invite au vernissage de l’

exposition de Loup Francart

suivi d’une lecture poétique

Le 10 juin 2021 à 17h00

À l’espace culturel Montpezat, 16 rue Monsieur le Prince 75006 Paris

les espaces de Calibi-yau

 

 

Qu'est-ce ?

Un espace de plus de quatre dimensions,

produit de la géométrie algébrique.

Quand la science rejoint l'art

et crée la beauté des chiffres.

voir : https://www.google.com/search?q=espace+de+calabi+yau&client=firefox-b-d&tbm=isch&source=iu&ictx=1&fir=gSC4uFZCKN5GBM%252CnFlBVTpOppRA1M%252C%252Fm%252F019vl3&vet=1&usg=AI4_-kTJuHaoXHoIW6uVdGtgunboqI_SNQ&sa=X&ved=2ahUKEwiaoOfyiaDwAhXyEWMBHe_rA_4Q_B16BAggEAE#imgrc=gSC4uFZCKN5GBM

Il est deux

 

Fermé sur lui-même

il s'efforce d'être un

il est pourtant deux

 

Le Moi est support

le Soi est évanescent

le rien entre deux

 

pourtant il revient

contemple sa moitié

et pleure de joie

Edward Hopper

https://www.youtube.com/watch?v=sWFewI_bfDA

La beauté derrière la banalité de la vie quotidienne.

Elle ne tient qu'à l'absence du décor social qui habituellement voile notre regard sur les choses.

La vie crue d'un homme du XX° siècle.

Vie de David Hockney

Je termine La vie de David Hockney, un des livres de Catherine Cusset de 2017. Un très beau livre. On entre dans la vie du peintre par une porte dérobée, on en ressort sur la terrasse de la vie, ouverte sur le monde. Et ce monde est vaste. On s’y promène de Bradford à Londres, puis à l’Amérique, New York, Los Angeles, puis le monde entier, sans véritables attaches. Une seule constante : la peinture, l’amour et la passion, c’est-à-dire un travail acharné à dix ou quinze heures par jour.

En toile de fond, une certaine analyse de la peinture, non pas académique, mais plus sensuelle, plus proche des petits riens qui font d’un paysage apparemment anodin un petit chef-d’œuvre inédit qui fait battre le cœur. Quelques rappels aussi de grands peintres dans quelques détails : perspective inversée, arbres rouges, piscine aux reflets incertains.

Depuis ses promenades dans Holland Park en avril 2002, depuis qu’il avait été touché par la grâce – car s’était bien de cela dont il s’agissait : de grâce, religieuse, spirituelle_, le sujet ne cessait de se préciser. Il brûlait, comme on dit dans ce jeu un l’enfant aux yeux bandés s’approche du but. Des champs cultivés il passa aux arbres. Un chemin bordé d’arbres, dont les branchages se rejoignaient en formant une voûte naturelle, lui plaisait particulièrement et il le peignit à chaque saison, en enregistrant chaque variation de lumière et de couleur. Rien n’était plus beau que les saisons. Elles étaient l’essence même du changement. La vie. (p. 163, Gallimard).

 

Robert Ferri, peintre

Tout tourne autour de l’horizontalité. Une ligne d’horizon autour de laquelle se construit et s’ordonne le tableau. Ce peut être une simple ligne blanche comme sur ce premier tableau, ce peut être un horizon de verdure, de bois, voire même une ligne frêle entre le bleu du ciel et le bleu de l’eau.

Les tableaux personnalisent la liquidité et la lumière. C’est le scintillement du papier sur lequel les couleurs sont multipliées qui produit cet effet. C’est l’été, la chaleur monte du sol, tremble dans l’air, monte vers le ciel où elle se décompose en éléments granuleux qui forment des nuages irréels. Et l’on se repose dans ces couleurs, ce miroitement, ces reflets.

Même les paysages campagnards sont liquides. On se noie dans les blés, on voit les bosquets comme des navires en haute mer et le ciel se couvre de nuages noirs avec, toujours, la tache plus claire et grenée d’une éclaircie qui adoucie l’ensemble.

Le ciel peut devenir marbré, veiné, les feuillages striés et tremblotants. Seule, l’eau reste étale, immobile, empâtée, statique, mais toujours fluide Elle coule dans le soleil et celui-ci fixe son cheminement dans la lumière.

L’eau devient ciel et le ciel se confond avec l’eau. Seule la ligne horizontale prend une autre teinte, un vert léger qui seul luit au soleil. Puis le regard s’enfonce dans l'ombre des arbres, mystérieusement.

L’âme respire dans ces paysages, se gonfle de bonheur. On en ressort calme, apaisé, étiré en horizontalité.

C’est une nage dans 50 nuances de bleu.

Jean-Marie Drouet, à la galerie 26

Une explosion de couleurs et de mouvements ! Et pourtant, le temps ne coule pas, c’est un perpétuel été dans le bruit des conversations et l’odeur du goémon. Un flou fondé sur les détails : une attitude, un geste, une maison isolée dans un paysage non identifié.

A quoi cela tient-il ? Des ciels uniformes, sans nuages ni éclaircies, des sols (sable ou macadam) homogènes, une mer grise ou bleu ou verte, mais des personnages mouvants, animés, même lorsqu’ils sont représentés immobiles, dus à la succession de coups de pinceau côte à côte, donnant l’impression d’images de film presque saccadées qui procurent un tremblement léger ou l’illusion de mouvement. Un spectacle serein qui calme l’esprit et procure une vraie détente.

Dans cette nouvelle exposition, pas de scènes de plages (quoi que...) mais la côte Est des États-Unis ; le Maine, le Massachusetts, Boston, Cape Cod, des pontons et des maisons en bois ...

Son site internet (http://www.jeanmariedrouet.com/bio/) nous donne une biographie succincte et même absente : Le sujet principal de ses peintures reste la peinture elle-même, car c’est en nous donnant à voir une réalité aux visions multiples que son travail nous parle du quotidien sans nous l’imposer. Chacun y verra ce qu’il veut y voir, car ce n’est pas la réalité qui compte, mais ce que l’imagination peut en faire.  

Alors rendez-vous la galerie 26 place des Vosges 75003 Paris.

Vous serez bien accueilli !

L'exode, de Georges Rouault

Les couleurs sont tristes, mais elles prennent parfois des  teintes très claires. Mariage du vert et du bleu, mais le blanc l'emporte, colorant les personnages d'une pointe de spiritualité. Le dessin des personnages est renforcé par un trait de peinture noire qui accentue la tristesse de l'expression.

sous la lune, un rond de couleur jaune, sans autres rayons, vont le père, penché sur ses enfants, et la mère, portant  un sac. L'enfant, à la tête ronde et le corps vêtu d'une draperie, ne comprend pas la tristesse du père. Celui-ci, dont l'amertume se  lit sur le visage à l'oeil rond accroché en haut du nez, erre dans le paysage et cette posture fléchie sur les genoux et penché sur l'enfant, le rend plus décharné encore. La mère et l'ainée des enfants suivent, accablés.

C'est bien un exode, empli de tristesse, mais malgré tout lumineux et plein d'espoir de temps meilleurs.

 

Peinture et temps (2)

Dans la peinture, la recherche de l’énergie spirituelle passe par la transparence. Étaler des couleurs ne signifie pas être artiste. Engluées, les impressions sont noyées dans la masse dans laisser sortir l’étincelle de la réalité des choses. L’apparence est opaque, c’est un voile de matière dont il faut se dégager. Derrière se cache la réalité supérieure englobant la matière et l’esprit. La matière est alors plus libre, plus mouvante, gérée par de nouvelles lois où la pesanteur n’a rien à voir, elle possède alors une énergie intérieure. C’est le rôle de l’artiste  de créer cette énergie à partir de sa matière, tout comme le scientifique crée l’énergie à partir de l’atome.

Accéder à la réalité des choses, c’est dévoiler l’apparence de la matière, découvrir la transparence de l’objet quotidien, de l’événement de tous les jours. Cette réalité de la matière est cachée par l’opacité que lui donne notre regard habitué à la masse des objets. Notre pouvoir de préhension a éduqué le regard et par là même l’esprit. L’œil ne sait plus percer comme le doigt dans un liquide la surface de l’objet. Il faut repartir de l’idée que le solide n’est solide qu’au toucher, mais peut devenir liquide à l’esprit. Alors la forme perd de son apparence, de sa masse, s’affaisse, se défait, se dilue dans l’espace et découvre sa vraie réalité. Le peintre doit traduire la forme par l’idée de la forme.

Peinture et temps (1)

« Le temps d’exécution d’un tableau peut intervenir dans la nature même de la forme. L’exemple topique de ce fait est l’œuvre de Nicolas de Staël dans les tableaux qu’il exécuta entre 1946 et 1947. Suivant la manière dont il pose la couleur, il peut accélérer ou ralentir la forme (le passage du pinceau laisse une trace visible dans l’épaisse couche de matière). Cette tension intérieure qu’il confère à sa composition n’est autre que le temps devenu espace sur la surface de la toile. Il s’agit alors de rechercher un accord possible entre les différentes tensions (on pourrait dire vitesse et même énergie) : les formes lentes qu’il réserve aux parties de la composition conçues en retrait, recouverte d’une surface lisse qui les rend presqu’immobiles en comparaison des autres formes. Celles-ci, souvent effilées, traversent le tableau en tous sens, chacun obéissant au rythme que la main du peintre et le pinceau ont imprimé dans la matière même de la couleur »[1]

On ne peut dire bien sûr que le temps a été fixé sur la toile, mais on a accumulé sur celle-ci une certaine énergie qui est l’expression inconsciente du temps. Peut-être l’esprit sera-t-il capable un jour de fixer, de désolidariser les quatre dimensions du temps ; passé, présent, futur et être (l’existence est fonction de cette énergie elle-même issue de l’énergie divine).

 

[1] Dora Vallier, L’art abstrait, 1967.

Premières émotions picturales (2)

C’est l’âme du violon que Braque a exprimé avec une émotion si pertinente qu’en regardant son tableau, l’idée que nous nous faisons de son image s’élabore en musique intérieure, chaque trait évoquant un son particulier de la corde pincée par un doigt ou caressée par l’archet jusqu’à fournir à notre imagination une véritable composition musicale, impalpable et impénétrable à la réalité. Braque a su nous faire éprouver, avec la même émotion, avec la même résonance qu’à l’audition d’une composition pour violon, la reconstitution des notes, des accords et même la sensation de leur forte ou de leur pianissimo.

Le tableau s’équilibre dans l’espace de la même manière que se déroule une symphonie ou une sonate dans le temps. Il est composé d’une masse de traits et de couleurs, mais le contour de la toile aux couleurs claires et sans motifs, le plus souvent d’une simplicité qui libère l’esprit, enveloppe l’émotion du reste et la décharge de sa tension comme le silence brusque qui suit l’audition d’une partition. Autour du centre du tableau, construit sur une base de quelques traits verticaux qui forment l’architecture harmonique de l’ensemble dans un jeu d’ombre et de lumière aux couleurs de la nuit, se hérissent des traits obliques, détachés les uns des autres, qui rendent la crudité des sons du violon quand le violoniste attaque à coup d’archet furieux la corde comme il le ferait pour un concerto de Paganini. L’harmonie et la mélodie sont données par le jeu des couleurs  qui, bien que peu nombreuses (marron, bleu nuit, blanc et noir) s’irradient en taches obscures ou lumineuses dans la prolongation des traits. Quelques arabesques, l’une de la forme de la volute du manche de l’instrument, une autre au dessin de la trille dans une partition, font percevoir jusqu’aux fioritures qu’ajoute le virtuose à sa mélodie pour donner à la fois le contraste et l’enchaînement à la pièce de musique.

 Au centre, comme l’andante d’une sonate, la courbure des traits en demi-cercle ou, pour ceux qui restent rectilignes, leur croisement à angle droit, émeut l’âme à la manière du violon dans la fragilité, la délicatesse, la tristesse de ces mouvements lents, quand l’artiste ne détache plus à grands coups l’archet de la corde, mais le laisse glisser dessus et n’use, pour donner à ses sons la courbure sonore recherchée, que de la mobilité des doigts de la main gauche. Les mêmes couleurs accompagnent cette partie du tableau, mais l’enrobent subtilement de deux qualités du violon : à droite, des couleurs claires et lumineuses (les mêmes pourtant que dans le reste du tableau, mais plus imprégnées de clarté, comme si les ombres formées par les traits du dessin avaient moins de puissance) qui expriment la douceur et la limpidité, à gauche un ensemble de couleurs bleu nuit qui expriment l’inquiétude et l’émotion.

En haut, peut-être, en un V de traits et la courbe concave de deux autres s’évasant vers le bas à partir du pied de la lettre, transparaît l’esprit du violoniste qui, entouré de ses notes comme les gouttes de pluie nous environnent de lignes qui ne sont perceptibles que sur un fond naturellement sombre, les digère et pense chacun des mouvements de ses muscles qui déterminent l’harmonie des sons et leur indépendance par rapport à un bruit de l’espace.

Premières émotions picturales (1)

A l'âge de 21 ans, je ne comprenais rien à l'art pictural. Je décidais un jour de m'installer devant un tableau; dans un musée, et de ne quitter ma place que lorsque j'aurai découvert ce que les autres contemplent comme un chef d'oeuvre, alors que je n'y vois qu'un tableau qui ne m'émeut pas ou très peu.

 

Hier, au musée d’art moderne, j’ai vraiment pour la première fois de ma vie, au milieu des toiles des plus grands peintres contemporains, éprouvé une véritable émotion en regardant un tableau. De même qu’en écoutant un morceau de musique ou en lisant un livre, tous mes sens se sont tendus par le canal de mon émotion et à travers la prunelle de l’œil, vers le tableau. J’ai ressenti une sorte de frémissement intérieur de tout l’être où le battement du cœur résonne plus fort qu’à l’accoutumée et éprouve cette irrésistible envie de sanglots que donne l’émotion portée à son apogée.

Je ne voyais rien d’autre que ce tableau, ce grand cadre rectangulaire contenant un assemblage merveilleux de couleurs et de traits créés par l’homme. Les ombres et la forme du mur blanc, le grain de sa tapisserie, la plinthe du plancher s’étaient voilés d’un flou involontaire construit par l’attention du regard et de l’esprit. Le pas d’une personne, le brouhaha des sons de chaque salle du musée ne m’atteignaient plus qu’indirectement, transposés par les sens vers la symphonie de couleurs en une sorte de monologue intérieur. Je regardais le tableau non plus seulement avec mes yeux, mais aussi avec l’oreille, avec chacun de mes membres entièrement tendus vers ce point qu’observait la prunelle de mon œil. Je me concentrais tour à tour sur chacune des parties du tableau, puis sur son ensemble ; j’accommodais ma vue à chaque trait, à chaque couleur, recherchant une acuité maximum, puis je faussais cette accommodation pour bien m’imprégner de l’ensemble comme on regarde souvent dans la pénombre d’une église un point lointain au-delà des chandeliers pour voir apparaître non plus une lumière réelle, mais un scintillement aussi merveilleusement tremblant qu’une étoile dans la nuit.

C’est alors que je compris l’émotion que me donnait le tableau et pourquoi ces traits, qui apparemment n’avaient aucune signification, éveillaient en moi ce bouleversement. Une alchimie, impressionnante dans son réalisme, de sons transformés en couleurs et en traits, beaucoup plus impressionnante que si le violon avait été peint dans sa représentation naturelle, voilà ce qui m’émouvait dans ce tableau peint en 1911 et que Braque avait intitulé « Nature morte au violon ».

 

Street Art (2)

Inégaux certes, mais de belle facture !

Street art (1)

Dans le 19° arrondissement, rue de l'Ourcq ou rue de Crimée, je ne me souviens pas, quelques tags magnifiques qui valent le déplacement !

(Suite demain)

H. Craig Hanna - “Peintures et Dessins”

https://vimeo.com/200863231

La peinture, c'est comme la musique.

Mon job, c'est de rendre harmonieux le chaos.

 

 

 

 

 

Canto Ostinato, de Ten Holt

https://www.youtube.com/watch?v=JDCsOL2vBJc

L’obstination peut devenir un défi ! C’est l’impression que donne le minimalisme. Mais ce n’est qu’une première impression. On se laisse enjôler par une sorte de berceuse un peu irritante qui finit par vous environner et créer un monde sous bulle. Vous contemplez le monde sans y participer. Vous n’êtes pas à l’extérieur, mais au contraire à l’intérieur, protégé par cette bulle qui ne laisse passer que les sons qui sans cesse vous ramènent à vous-même. Laissez passer l’instant d’irritation de ce retour permanent sur vous-même et immergez-vous dans votre propre connaissance !

« La pièce a été terminée en 1976 et interprétée en public pour la première fois le 25 avril 1979 à Bergen (Noord-Holland) sur trois pianos et un orgue électronique. Dans l'introduction de la partition, le compositeur écrit : "D'autres combinaisons d'instruments à clavier sont possibles. Mais une interprétation sur 4 pianos a la préférence1. De nombreuses versions s'ajoutent régulièrement à celles pour piano : marimba, vibraphone, quatuor de saxophones, orgue, harpe, huit violoncelles.

Canto Ostinato est qualifié de musique minimaliste, même si ten Holt n'aimait guère ce terme, préférant parler de code génétique et qualifiant les concerts de rituels. La pièce est composée de 106 cellules, qui peuvent être répétées selon le bon vouloir des interprètes, avec ou sans leurs variantes. Les décisions de tempo et de dynamique reviennent aussi aux interprètes. La durée peut donc varier entre une grosse demi-heure et une journée entière, même si la plupart du temps, elle est oscille entre une heure ou deux, suivant les instruments employés, le public et le lieu. Dans ses mémoires, ten Holt signale néanmoins que "l'idée de "plus-c'est-long-mieux-c'est" est une erreur car la tension entre deux points disparaît et il n'y a plus qu'une répétition vide de sens des mêmes notes". » (https://fr.wikipedia.org/wiki/Canto_ostinato)

Virtus

La vertu et la valeur sont deux notions qui ont la même origine étymologique. L'une ne va pas sans l'autre. On peut les symboliser par ces deux colonnes qui ne ressortent que grâce à leur lumière intérieure.

Teruhisa YAMANOBE, galerie Rauchfeld

Teruhisa YAMANOBE expose à la galerie Rauchfeld, 22 rue de Seine 75006. Il excelle autant dans les paysages que dans les portraits. On reconnaît immédiatement son style : lumière, transparence et sérénité.

Un paysage diaphane composé par une succession de couches de couleur qui se lient les unes aux autres, dont la lumière n’est pas directement visible, mais qui se diffuse sur l’ensemble.

Même transparence avec cette femme qui rappelle les peintres flamands, y compris dans les formes lourdes qui semblent sorties d’un autre âge.

Et cette toute jeune fille qui pose avec grâce et maniérisme.

Né au Japon en 1956, il s’installe à Paris en 1988 et décide de devenir peintre en découvrant la peinture flamande.

 

C’est bien un véritable artiste, ayant longuement travaillé son style et sachant rendre avec brio sa vision d’un monde paisible. L’invisible transparaît derrière le visible et vous fait pénétrer au-delà du moi, dans ce soi intemporel et enivrant de la spiritualité.

Musée Vieira da Silva à Lisbonne

"La ville règne sans partage sur la vie et l’œuvre de Maria Helena Vieira da Silva : Lisbonne, le berceau des origines, où, enfant, elle apprend la solitude, l’observation, la contemplation ; Paris, la capitale d’élection, où elle s’établit en 1928 et rencontre la galeriste Jeanne Bucher qui fait connaître son œuvre, et le peintre hongrois Árpád Szenes, compagnon d’une vie ; Rio de Janeiro enfin, la ville de l’exil, que tous deux rejoignent en 1940 – pour retrouver Paris sept ans plus tard. À cette topographie se joignent, dans sa peinture, les villes de passage et les cités imaginaires. Lieux et objets de son enfance influencent un monde intérieur dont sa création picturale rendra témoignage : des bibliothèques et des théâtres, des partitions de musique et des jeux d’échecs, des passages pavés d’azulejos et les dentelles de fer de quelque architecture parisienne. Que son motif premier soit une nature morte, une chambre déserte ou une capitale bruyante, sa peinture adopte volontiers la forme du dédale : un réseau en toile d’araignée, un damier distordu, où l’œil erre, se perd, s’assombrit ou s’éclaire. Ce réseau, que l’on peut comprendre comme une métaphore de la réflexion, demeure fondamentalement une exploration de la perception."

Anne Lemonnier

Extrait du Dictionnaire universel des créatrices
© 2013 Des femmes – Antoinette Fouque

(http://www.awarewomenartists.com/artist/maria-helena-vieira-da-silva/)

Le métro 1940

La ruée des losanges 1947

La mer 1961

La boutique 1964

Le bout du monde 1986

Vers la lumière 1991

Ces tableaux des différentes époques de la vie de Maria Vieira da Silva montrent nettement l'évolution de sa peinture et de sa personnalité. Le dernier "Vers la lumière" atteint la sagesse des ermites. Tout est achevé, elle s'est réalisée, malgré les aléas de la vie.

 

Street art : Nelio

Quel peintre ! Une production éblouissante et un art abstrait proche des grands peintres.

« J’ai trois manières de produire mes œuvres : soit elles se basent sur une réflexion, soit elles sont réalisées comme un exercice ou une expérimentation. Quand mon travail est basé sur une réflexion, je transmets certains messages dans mes peintures, que ce soit en relation avec les observations du monde qui m’entoure, ou par des réflexions introspectives, philosophiques ou politiques. Mais à la manière d’un graphiste lorsqu’il créé un logo, je vais condenser toutes les idées de base, de sorte à ce qu’elles se transmettent parfois seulement par une forme ou une couleur. Cela devient moins évident, plus complexe, et donne lieu à des interprétations différentes. Ainsi, le message peut être le point de départ de création mais pas forcément l’objectif final de l’œuvre.

A d’autres moments, le point de départ de mes peintures est un exercice. Celles-ci peuvent donc être une représentation de mes recherches actuelles, une étape dans ma construction artistique, que ce soit dans la composition, la couleur, la forme, la matière, la lumière, le volume,… De cette façon, mes peintures parlent parfois exclusivement de peinture. »

Nelio - Lyon

Nelio - Paris

Nelio - Montréal

Nelio - Argentine

Nelio - Minimalism

Accomplissement

Lu dans Etre ici est une splendeur, un livre de Marie Darrieussecq racontant la vie de Paula Becker : « Je deviens quelqu’un ». Un livre qui livre l’âme de Paula, une femme irascible, qui finalement ne vit que pour sa peinture.

M’apparut alors que tous, femme ou homme, nous vivons pour devenir quelqu’un, poussé par une voix intérieure, silencieuse, mais présente au fond de nous, en permanence, comme un aimant qui attire les mille parties de notre être vers son accomplissement. Et cet accomplissement est différent pour chacun, c’est bien pour cela qu’on ne voit pas cette électricité qui nous tient en vie et nous conduit vers son achèvement. Certains abandonnent en cours de route. Ils deviennent sans vie, plats, morts à eux-mêmes. Ils trainent leur existence et ne luttent plus. La mort est déjà là, inexorablement. D’autres se noient dans l’action, croyant trouver un dérivatif à ce personnage en lui ou en elle qui se presse sans dire qui il est et l’encombre trop souvent. Ils ne savent pas qu’ils courent après eux-mêmes, et, bien sûr, ils ne trouvent rien.

Le poids de l’apprentissage, le poids des convenances, le poids du passé sont des empêchements de se découvrir soi-même, de laisser vivre en soi son être profond. Et celui-ci peut mourir étouffé de tant de précautions pour vivre. Comment ne pas vivre par personne interposée ! Ne pas se laisser entraîner dans le développement d’un personnage qui est autre que soi !

Oui, Je deviens quelqu’un et ce quelqu’un n’est pas mon personnage, mais moi-même. Face à face nous nous regardons. Je suis un autre que celui que j’ai vu, je suis autre que celui que je vais voir. Je deviens… Et ce devenir est l’action la plus importante que j’ai accomplie depuis longtemps. Ne pas se laisser figer ! Laisse aller ton bouillonnement intérieur, qu’il déborde de toi et laisse aux autres le parfum de ton être mystérieux. Cherche sans cesse, toujours plus loin en toi, laisse tomber ce qu’en pensent les autres, ne te laisse pas distraire et recueille ce miel qui s’écoule goutte à goutte de ton être inconnu et qui devient toi, l’unique parmi les uniques, homme parmi les hommes, femmes parmi les femmes, humain parmi les humains. Peu à peu, je me ressemble dans ce miroir de la vie, je peux suivre du doigt cette marche progressive vers ma réalisation que personne n’attend telle qu’elle arrive. Même moi, je ne sais ce que je vais devenir, mais je m’y emploie, de tout mon cœur, de toute mon intelligence, de toute mon âme. Et le regard change, ce n’est plus un regard inquisiteur, plus un regard de crainte, mais un regard plein de vie, de bonheur inexprimable, un regard curieux de tout, qui tente d’apprendre encore et encore, jamais lassé de l’existence.

Alors le ciel entre en nous, nous pénètre de la certitude d’exister, unique, à côté d’autres uniques qu’il faut maintenant découvrir. Quel est l’être qui se cache derrière ce visage ? Commence une nouvelle quête, passionnante, que deviendra celui-ci, celle-là ? S’ouvrira-t-il à cet appel qui se cache au fond de lui ou d’elle ? Comment l’aider à découvrir ce trésor enfoui qui ne demande qu’à se développer ? Vous ne pouvez lui dire ce qu’il peut être, mais simplement lui montrer les signes qui le conduiront à cette découverte.

Ces jours-là, vous flottez sur le monde, vous avez perdu votre pesanteur et vous vous envolez dans un ciel pur, sous le regard de cette enfant qui sait, elle, où se trouve son être.

Tête d’une jeune fille blonde coiffée d’un chapeau de paille -1904

Paula Becker

Le salon d'art contemporain de Montrouge

C’est la 61^ème exposition, mais ma première visite. Sa particularité : être ouvert aux jeunes artistes qui sont parrainés en toute liberté et indépendance par les anciens artistes. Il serait, annonce-t-il, un accélérateur de carrière grâce à ses 27 000 visiteurs. En 2016, il fait appel à l’analyse esthétique rigoureuse d’Ami Barak, organisateur de nombreuses expositions emblématiques en France et à l’étranger et catalyseur des plus actifs de la scène artistique contemporaine. Tout ceci m’ayant alléché, je me rends samedi après-midi au salon.

Le site Internet nous dit : « Le visiteur sera entraîné dans une exploration de la création émergente. Quels sont les grands thèmes abordés par les artistes aujourd'hui, leurs techniques privilégiées... une exposition chapitrée qui ne pourra laisser le visiteur insensible. »

Il est dommage que l’on n’ait pas quelques photos de ce qui est présenté au salon. On réfléchirait sans doute avant de s’y rendre. On y trouve beaucoup de choses : piquet de bois, certes peints de couleurs uniformes ; photos de poubelles, déchets, tas d’ordures, murs démolis, bref une vision de notre société tout à fait tournée vers la beauté de notre monde contemporain.

J’avoue avoir eu du mal à trouver quelques œuvres dignes de cette appellation. En voici quelques-unes :

Standard, de Yassine Boussaadoun, 2016 :

 Une installation murale présentant un enchevêtrement de tuyaux qui amèneraient l’eau et le gaz à l’étage, à ceci près que ce trompe-l’œil est en papier et se veut un regard sur la complexité de notre société en mutation permanente. Yassine Boussaadoun utilise une méthode plus détachée pour nous projeter dans la représentation d’un système social qui marche par codes.

L’espace du manque, de Paul Vergier, 2014 :

Cette peinture témoigne d’une vie passée, abandonnée, donnant lieu à une autre forme d’occupation. La bâche, élément plastique récurrent dans l’œuvre de Paul Vergier, soutient ici l’incertitude que dépeint le paysage. L’artiste tente de capter une forme de manque pour le rendre visible. L’antagonisme qui caractérise ce travail suggère une narration tangible qui se situerait à la périphérie de la toile.

Même si quelques œuvres présentées valent un détour, l’ensemble laisse perplexe sur ce qu’on appelle de nos jours un artiste et, de manière plus générale, l’art. L’art contemporain se complaît plus en paroles qu’en actes. Il semble que l’on prenne les visiteurs pour des gogos. Heureusement qu’il faut expliquer pour convaincre, car autrement on passerait devant les œuvres sans les voir. Certains s’y laissent prendre.

Un exemple :

Sans commentaires

(ou plutôt no comment, car l'anglais est la langue indispensable à ce genre de parodie)

Trompe l'oeil

Quelques trompe-l’œil :

Suspendu et introuvable !

Allez savoir où est le réel !